Gaya Dan Era: Penerbitan Ulang

2024 Pengarang: David Durham | [email protected]. Terakhir diubah: 2023-12-16 02:37

Pada tahun 1924, arsitek dan ahli teori Moses Ginzburg, yang saat itu berusia 32 tahun, menerbitkan buku "Style and Epoch", di mana ia meramalkan sebagian, sebagian memprogram perkembangan arsitektur abad ke-20. Setahun kemudian, arsitek tersebut menjadi salah satu pendiri grup OSA - Asosiasi Arsitek Kontemporer, salah satu kunci bagi para konstruktivis Rusia Soviet. Buku itu menjadi salah satu yang paling ikonik bagi arsitek dan sejarawan avant-garde, tetapi tetap merupakan kelangkaan bibliografi. Sekarang volume dapat dengan mudah berakhir di perpustakaan Anda: Arsitek Ginzburg telah merilis edisi Cetak Ulang Gaya dan Era. Pada saat yang sama, cetakan ulang dalam bahasa Inggris dirilis di Inggris, diterbitkan oleh Ginzburg Design bekerja sama dengan Fontanka Publications dan Thames & Hudson.

Buku tersebut dapat dibeli di sini, dipesan melalui email [email protected] atau melalui telepon +74995190090.

Harga - 950 rubel.

Di bawah ini kami menerbitkan kutipan dari sebuah buku yang telah menjadi bibliografi klasik dalam teori avant-garde.

Anda dapat membolak-balik bagian yang sama di sini:

zooming

15/1 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

15/2 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

15/3 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

15/4 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

15/5 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

15/6 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

15/7 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

15/8 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

15/9 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

15/10 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

15/11 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

15/12 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

13/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

14/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg
zooming

15/15 M. Ya. Ginzbrug. Gaya era. M., 1924 / dicetak ulang 2019. Fragmen buku Atas izin arsitek Ginzburg

KATA PENGANTAR *

Gaya arsitektur dan modernitas? Modernitas badai pembersih itu, di mana bangunan yang didirikan hampir tidak ada lusinan. Gaya apa yang bisa kita bicarakan? Tentu saja, hal ini berlaku bagi mereka yang asing dengan keraguan dan delusi mereka yang mencari jalan baru, jalan pencarian baru; jadi bagi mereka yang dengan sabar menunggu hasil akhir dengan skor di tangan mereka dan putusan di bibir mereka. Tapi waktunya belum tepat untuk mereka, giliran mereka sudah di depan. Halaman-halaman buku ini dikhususkan bukan untuk apa yang telah terjadi, tetapi hanya untuk refleksi yang telah terjadi, tentang garis yang membentang antara masa lalu yang sudah meninggal dan modernitas yang berkembang, tentang gaya baru yang lahir dalam pergolakan, yang ditentukan oleh sebuah kehidupan baru, sebuah gaya yang penampilannya, masih belum jelas, namun tetap diinginkan, tumbuh dan tumbuh lebih kuat di antara mereka yang memandang ke depan dengan percaya diri.

* Tesis utama dari karya ini dipresentasikan oleh saya pada tanggal 18 Mei 1923 dalam sebuah laporan kepada Masyarakat Arsitektur Moskow; Pada tanggal 8 Februari 1924, isi buku yang sudah selesai dibacakan oleh saya di Akademi Ilmu Seni Rusia.

I. GAYA - UNSUR GAYA ARSITEKTUR - KONTINUITAS DAN KEMERDEKAAN DALAM PERUBAHAN GAYA

“Gerakan dimulai di banyak titik sekaligus. Yang lama terlahir kembali, membawa segala sesuatu bersamanya, dan, akhirnya, tidak ada yang menghalangi arus: gaya baru menjadi fakta. Mengapa semua ini harus terjadi?"

G. Velflin "Renaissance dan Baroque".

Selama sekitar dua abad, kreativitas arsitektur Eropa muncul secara parasit dengan mengorbankan masa lalunya. Sementara seni lain, dengan satu atau lain cara, bergerak maju, secara sistematis menciptakan "klasik" mereka dari para inovator revolusioner baru-baru ini, arsitektur dengan kekeraskepalaan yang benar-benar luar biasa tidak ingin mengalihkan pandangannya dari contoh dunia kuno atau era Renaisans Italia. Akademi Seni, tampaknya, hanya terlibat dalam kenyataan bahwa mereka menghapus keinginan untuk yang baru dan meningkatkan kemampuan kreatif anak muda, tanpa mengajar, bagaimanapun, untuk melihat dalam produksi.

pengetahuan masa lalu, sistem hukum yang selalu mengikuti struktur kehidupan zaman dan hanya dengan latar belakang ini menerima arti sebenarnya. Dengan demikian, pendidikan "akademis" seperti itu mencapai dua tujuan: murid terlepas dari masa kini dan pada saat yang sama tetap asing dengan semangat sejati dari karya-karya besar di masa lalu. Ini juga menjelaskan fakta bahwa seniman yang mencari dalam seni mereka ekspresi pemahaman murni modern tentang bentuk, seringkali mengabaikan semua pencapaian estetika masa lampau. Namun, pemeriksaan yang cermat terhadap seni masa lalu dan suasana kreatif di mana ia diciptakan mengarah pada kesimpulan yang berbeda. Ini adalah pengalaman, yang dipadatkan oleh upaya kreatif selama berabad-abad, yang dengan jelas menunjukkan kepada seniman modern jalannya: - dan pencarian yang berani, serta pencarian yang berani untuk sesuatu yang baru, dan kegembiraan penemuan-penemuan kreatif, - semua jalan berduri yang selalu berakhir kemenangan, segera setelah gerakan tulus, keinginan cerah dan tersapu ke pantai dalam gelombang yang tangguh dan benar-benar modern.

Ini adalah seni di saat-saat terbaik dalam keberadaan manusia, dan, tentu saja, harus seperti itu sekarang. Jika kita ingat dalam lingkungan konsonan apa Parthenon diciptakan, bagaimana perusahaan wol dan ulat sutra bersaing satu sama lain di era Renaisans Italia - dalam pencapaian terbaik dari cita-cita estetika, atau bagaimana para pedagang sayuran dan komoditas kecil bereaksi terhadapnya. detail baru katedral yang sedang didirikan, maka kita akan memahami dengan jelas, bahwa intinya adalah bahwa baik arsitek katedral maupun wanita penjual sayur menghirup udara yang sama, adalah orang-orang sezaman. Benar, semua orang tahu contoh sejarah tentang bagaimana pelihat sejati dari bentuk baru tetap disalahpahami oleh orang-orang sezaman mereka, tetapi ini hanya menunjukkan bahwa para seniman ini secara intuitif mengantisipasi, menjelang modernitas, yang, setelah beberapa, kurang lebih signifikan, periode waktu menangkap dengan mereka.

Jika ritme yang benar-benar modern terdengar dalam bentuk modern, monoton dengan ritme kerja dan kegembiraan masa kini, maka, tentu saja, pada akhirnya harus didengar oleh mereka yang kehidupan dan karyanya menciptakan ritme ini. Dapat dikatakan bahwa kerajinan seniman dan setiap kerajinan lainnya kemudian akan dilanjutkan, menuju satu tujuan, dan pasti akan tiba saatnya ketika semua garis ini akan berpotongan, yaitu, ketika kita menemukan gaya besar kita sendiri, di mana kreativitas kreasi dan kontemplasi akan menyatu, ketika arsitek akan menciptakan karya dengan gaya yang sama seperti penjahit yang akan menjahit pakaian; ketika sebuah lagu paduan suara akan dengan mudah menyatukan alien dan berbeda dengan ritmenya; ketika drama heroik dan lawak jalanan akan dianut dengan segala keragaman bentuknya oleh kesamaan bahasa yang satu dan sama. Ini adalah tanda-tanda gaya asli dan sehat di mana analisis yang cermat akan mengungkapkan kausalitas dan ketergantungan semua fenomena ini pada faktor-faktor utama zaman. Jadi, kami mendekati konsep gaya, yang begitu sering digunakan dalam berbagai pengertian, dan yang akan kami coba pahami. Memang, sekilas kata ini penuh dengan ambiguitas. Kami mengatakan gaya untuk produksi teater baru, dan kami mengatakan gaya untuk topi wanita. Kami sering memasukkan kata "gaya", terutama dalam corak seni terbaik (misalnya, kami mengatakan "gaya empat puluhan" atau "gaya Michele Sanmicheli") dan terkadang menghubungkannya dengan arti penting seluruh era, sekelompok abad (seperti gaya Mesir, gaya Renaissance). Dalam semua kasus ini, yang kami maksud adalah semacam kesatuan reguler yang diamati dalam fenomena yang dipertimbangkan. Beberapa ciri gaya dalam seni akan berpengaruh jika kita membandingkan evolusinya dengan evolusi bidang lain dari aktivitas manusia, misalnya sains. Memang, asal mula pemikiran ilmiah mengandaikan rantai yang tidak bisa diputuskan

ketentuan dari mana setiap yang baru, mengalir dari yang lama, dengan demikian melampaui yang lama ini. Di sini ada pertumbuhan tertentu, peningkatan nilai objektif berpikir. Jadi kimia telah berkembang pesat dan membuat alkimia tidak diperlukan, jadi metode penelitian terbaru lebih akurat dan lebih ilmiah daripada yang lama; yang memiliki ilmu fisika modern lebih maju dari Newton atau Galileo *. Singkatnya, di sini kita berurusan dengan satu organisme utuh yang terus tumbuh. Situasinya agak berbeda dengan karya seni yang masing-masing mendominasi dirinya sendiri dan lingkungan yang melahirkannya, dan karya yang benar-benar mencapai tujuannya tidak dapat dilampaui **. Dengan demikian, kata kemajuan sangat sulit diterapkan pada seni dan hanya dapat dikaitkan dengan bidang kemungkinan teknisnya saja. Dalam seni ada sesuatu yang berbeda, baru, bentuk dan kombinasinya, yang terkadang tidak dapat diramalkan, dan sebagaimana sebuah karya seni adalah sesuatu yang bernilai, maka ia tetap tak tertandingi dalam nilai istimewanya. Memang, dapatkah pelukis Renaisans dikatakan telah melampaui pelukis Yunani, atau bahwa kuil di Karnak lebih buruk daripada Pantheon? Tentu saja tidak. Kita hanya bisa mengatakan bahwa kuil di Karnak adalah hasil dari lingkungan tertentu yang melahirkannya dan hanya dapat dipahami dengan latar belakang lingkungan ini, material dan budaya spiritualnya, maka kesempurnaan Pantheon adalah sebuah konsekuensi. alasan serupa, hampir terlepas dari manfaat kuil Karnak. * * *

Kita tahu betul bahwa ciri-ciri pesawat fresco Mesir, yang mengungkap narasi dalam deretan pita, * "Estetika umum" oleh Jonas KON. Terjemahan oleh Samsonov. Rumah Penerbitan Negara, 1921

** Perbedaan yang diuraikan antara sains dan seni juga disebutkan oleh Schiller. Lihat suratnya kepada Fichte dari 3-4 Agustus 1875 (Letters, IV, 222).

terletak satu di atas yang lain bukanlah tanda ketidaksempurnaan seni rupa Mesir, tetapi hanya cerminan dari karakteristik pemahaman Mesir tentang bentuk, di mana metode semacam itu bukan hanya yang terbaik, tetapi juga satu-satunya yang membawa kepuasan penuh. Jika sebuah gambar modern diperlihatkan kepada orang Mesir, niscaya gambar itu akan menjadi sasaran kritik yang sangat keras. Orang Mesir akan menganggapnya tanpa ekspresi dan tidak enak dipandang: dia harus mengatakan bahwa gambar itu buruk. Sebaliknya, untuk menghargai manfaat estetika dari perspektif Mesir, setelah kami menerima pemahaman yang sama sekali berbeda dari para seniman Renaisans Italia, kami tidak hanya harus merangkul semua seni Mesir secara keseluruhan, tetapi juga melakukan yang terkenal. Karya reinkarnasi, harus berusaha menembus sistem persepsi dunia Mesir. Apa seharusnya hubungan antara lukisan dinding Mesir dan Renaisans bagi seorang siswa seni? Secara alami, arti yang biasanya dipahami dari kata "kemajuan" tidak berlaku di sini, karena, tentu saja, kita tidak dapat secara objektif menyatakan bahwa lukisan dinding Mesir "lebih buruk" daripada Renaisans, bahwa sistem perspektif Renaisans menghancurkan dan mencabut sistem lukisan dinding Mesir. pesona. Sebaliknya, kita tahu bahwa sejalan dengan Renaisans ada juga beberapa sistem perspektif lain, misalnya sistem perspektif Jepang dengan jalannya sendiri, bahwa kita masih dapat menikmati lukisan mural Mesir hari ini, dan akhirnya, Seniman kontemporer terkadang dengan sengaja melanggar cara kerjanya dari perspektif Italia. Pada saat yang sama, seseorang yang menggunakan pencapaian listrik tidak dapat dipaksa untuk beralih kembali ke traksi uap, yang dalam satu atau lain kasus harus diakui sebagai dilampaui secara obyektif dan, oleh karena itu, tidak menginspirasi kita untuk mengagumi atau ingin meniru itu.. Sangat jelas bahwa kita berurusan dengan berbagai fenomena di sini.

Namun, perbedaan antara dua jenis aktivitas manusia: artistik dan teknis - pada saat yang sama

tidak menghalangi kami dari kesempatan untuk menegaskan bahwa seni Renaisans Italia memberikan kontribusinya pada sistem kreativitas dunia, memperkayanya dengan sistem perspektif baru, yang sebelumnya tidak dikenal.

Jadi, di sini kita masih berbicara tentang semacam pertumbuhan, penambahan, pengayaan seni, yang cukup nyata dan diakui secara obyektif, tetapi tidak merusak sistem kreativitas yang sudah ada sebelumnya. Oleh karena itu, dalam arti tertentu dimungkinkan untuk berbicara tentang evolusi seni, tentang kemajuan seni, di samping sisi teknisnya.

Hanya kemajuan atau evolusi ini yang akan terdiri dari kemampuan menciptakan nilai-nilai baru, sistem kreatif baru, sehingga memperkaya umat manusia secara keseluruhan.

Namun, pengayaan ini, kemunculan sesuatu yang baru dalam seni ini tidak bisa disebabkan oleh kebetulan, penemuan bentuk baru yang tidak disengaja, sistem kreatif baru.

Telah kita katakan bahwa lukisan dinding Mesir, seperti lukisan Italia abad ke-15, dapat dipahami dan, oleh karena itu, menerima penilaian obyektif hanya setelah semua seni kontemporernya dipahami secara keseluruhan. Namun, seringkali ini tidak cukup. Anda perlu membiasakan diri dengan semua jenis aktivitas manusia, gambaran modern, dengan struktur sosial dan ekonomi zaman, iklim dan karakteristik nasionalnya, untuk memahami karya ini sepenuhnya. Seseorang itu demikian dan tidak berbeda, bukan karena "keacakan" penampilannya, tetapi sebagai akibat dari pengaruh paling kompleks yang dialami olehnya, lingkungan sosial, lingkungannya, pengaruh kondisi alam dan ekonomi. Hanya semua ini secara total yang memunculkan struktur spiritual ini atau itu dalam diri seseorang, menghasilkan dalam dirinya sikap tertentu, sistem pemikiran artistik tertentu, mengarahkan kejeniusan manusia ke satu arah atau yang lain.

Tidak peduli seberapa hebat kejeniusan kolektif atau individu sang pencipta, tidak peduli betapa aneh dan berbelit-belitnya proses kreatif itu, ada hubungan kausalitas antara kenyataan dan kehidupan dan faktor-faktor dan sistem pemikiran artistik manusia, dan, pada gilirannya, antara yang terakhir dan kreativitas formal seniman, dan Adanya ketergantungan inilah yang menjelaskan sifat evolusi seni, yang kita bicarakan, dan kebutuhan reinkarnasi, yang menentukan penilaian historis obyektif dari sebuah karya. seni. Namun, ketergantungan ini sebaiknya tidak dipahami terlalu mendasar. Penyebab mendasar yang sama terkadang dapat memberikan hasil yang berbeda; kemalangan terkadang menghancurkan kekuatan kita, dan terkadang meningkatkannya dalam jumlah yang tidak terbatas, tergantung pada sifat individu dari karakter seseorang. Dengan cara yang sama, tergantung pada karakteristik kejeniusan seseorang atau orang, dalam kasus lain kita melihat konsekuensi langsung, pada orang lain - hasil yang berlawanan karena kontras. Namun, dalam kedua kasus tersebut, keberadaan ketergantungan kausal ini tidak dapat disangkal, hanya dengan latar belakang penilaian suatu karya seni dapat diberikan, bukan atas dasar penilaian selera individu “suka atau tidak”, melainkan sebagai fenomena sejarah yang obyektif. Perbandingan formal hanya dapat dilakukan antara karya-karya pada era yang sama, dengan gaya yang sama. Hanya dalam batasan-batasan inilah keunggulan formal karya seni dapat dibangun. Yang terbaik, paling ekspresif sesuai dengan sistem pemikiran artistik yang melahirkan mereka, kemudian biasanya menemukan bahasa formal terbaik. Perbandingan lukisan dinding Mesir dan lukisan Italia tidak dapat dibuat secara kualitatif. Ini hanya akan memberikan satu hasil: ia akan menunjuk pada dua sistem kreasi artistik yang berbeda, yang masing-masing bersumber dari lingkungan yang berbeda.

Itulah sebabnya seniman kontemporer tidak mungkin menciptakan lukisan dinding Mesir, itulah sebabnya eklektisisme dalam banyak kasus steril secara genetik, tidak peduli seberapa brilian perwakilannya. Ia tidak menciptakan "baru", tidak memperkaya seni, dan, oleh karena itu, dalam jalur evolusi seni ia tidak memberi nilai plus, melainkan minus, bukan kenaikan, melainkan kombinasi kompromi dari sisi-sisi yang seringkali tidak cocok. * * * Mempertimbangkan produk paling beragam dari aktivitas manusia di era mana pun, khususnya, semua jenis kreativitas artistik, dengan semua keragaman yang disebabkan oleh alasan organik dan individu, sesuatu yang umum akan tercermin pada semuanya, sebuah fitur yang, dalam kolegialitasnya, membangkitkan konsep gaya. Kondisi sosial dan budaya yang identik, metode dan alat produksi, iklim, sikap dan jiwa yang sama - semua ini akan meninggalkan jejak yang sama pada bentuk formasi yang paling beragam. Oleh karena itu, tidak mengherankan jika seorang arkeolog yang telah menemukan kendi, patung, atau pakaian ribuan tahun kemudian, berdasarkan ciri-ciri umum gaya ini, akan menentukan kepemilikan benda-benda ini pada era tertentu.. Wolfflin, dalam studinya tentang Renaissance dan Baroque, menunjukkan volume kehidupan manusia di mana Anda dapat melacak ciri-ciri gaya: cara berdiri dan berjalan, katanya, mengenakan jubah dengan satu atau lain cara, mengenakan jubah atau sepatu lebar, semuanya - semua ini bisa menjadi tanda gaya. Jadi, kata "gaya" berbicara tentang beberapa fenomena alam yang memaksakan pada semua manifestasi aktivitas manusia ciri-ciri tertentu yang mempengaruhi yang besar dan yang kecil, terlepas dari apakah orang-orang sezaman dengan jelas memperjuangkan hal ini atau bahkan tidak menyadarinya sama sekali. Meskipun demikian, hukum yang menghilangkan “kebetulan” dalam penampilan tangan manusia ini atau itu menerima ekspresi spesifiknya untuk setiap jenis aktivitas ini.

kebugaran. Jadi, suatu karya musik diatur dalam satu cara, karya sastra dengan cara lain. Namun, dalam hukum yang begitu berbeda ini, yang disebabkan oleh perbedaan metode formal dan bahasa masing-masing seni, beberapa premis yang umum dan bersatu dapat diperhatikan, sesuatu yang menggeneralisasi dan menghubungkan, dengan kata lain, kesatuan gaya, dalam arti luas kata.

Dengan demikian, definisi gaya suatu fenomena artistik dapat dianggap lengkap bila ia tidak hanya terdiri dari menemukan hukum organisasi dari fenomena ini, tetapi dalam menetapkan hubungan tertentu antara hukum-hukum ini dan zaman sejarah tertentu dan mengujinya pada jenis lain dari fenomena ini. kreativitas dan aktivitas manusia dalam kehidupan kontemporer …. Tentu saja, tidak sulit untuk menguji ketergantungan ini pada salah satu gaya sejarah. Hubungan tak tergoyahkan antara monumen Acropolis, patung Phidias atau Polycletus, tragedi Aeschylus dan Euripides, ekonomi dan budaya Yunani, tatanan politik dan sosialnya, pakaian dan perkakas, langit dan relief tanah, sama tak dapat diganggu gugat dalam pikiran kita seperti fenomena serupa dari gaya lain mana pun …

Metode analisis fenomena artistik ini, karena objektivitas komparatifnya, memberi peneliti senjata ampuh dalam masalah yang paling kontroversial.

Jadi, beralih dari sudut pandang seperti itu ke peristiwa kehidupan artistik kita dalam beberapa dekade terakhir, orang dapat mengakui tanpa banyak kesulitan bahwa tren seperti "Modern", "Dekadensi", sama seperti semua "neo-klasisisme" dan "klasisisme" kita. neo - renaissances”, tidak tahan uji modernitas sampai batas mana pun. Lahir di kepala beberapa arsitek yang halus, berbudaya dan berkembang dan sering memberi, berkat bakat besar mereka, sampel yang benar-benar selesai dari jenis mereka sendiri, kerak estetika eksternal ini, seperti semua jenis perampokan eklektik lainnya, adalah penemuan yang sia-sia yang datang secukupnya untuk sementara waktu, lingkaran sempit

penikmat dan tidak mencerminkan apa pun kecuali dekadensi dan impotensi dunia yang sekarat.* * * Jadi, kami menetapkan gaya swasembada tertentu, orisinalitas hukum yang mengaturnya, dan isolasi relatif perwujudan formalnya dari karya gaya lain. Kami membuang penilaian individualistik murni dari sebuah karya seni dan mempertimbangkan cita-cita yang indah, cita-cita yang berubah secara abadi dan sementara ini, sebagai sesuatu yang dengan sempurna memenuhi kebutuhan dan konsep tempat dan zaman tertentu.

Pertanyaan yang muncul secara alami: apa hubungan antara manifestasi individu seni dari era yang berbeda, dan apakah Spengler * dan Danilevsky ** tidak tepat dalam teori mereka, tertutup dan dipisahkan satu sama lain oleh jurang budaya?

Setelah menetapkan sifat tertutup dari hukum gaya apa pun, tentu saja kita jauh dari berpikir untuk meninggalkan prinsip ketergantungan dan pengaruh dalam perubahan dan perkembangan gaya-gaya ini. Sebaliknya, pada kenyataannya, batasan yang tepat antara satu gaya dan gaya lainnya terhapus. Tidak ada cara untuk menetapkan momen di mana satu gaya berakhir dan gaya lainnya dimulai; suatu gaya yang baru mulai mengalami kemudaan, kematangan dan usia tua, tetapi usia tua belum sepenuhnya berakhir, pelayuan belum berakhir, sebagaimana gaya baru lainnya lahir, untuk mengikuti jalan yang sama. Akibatnya, pada kenyataannya tidak hanya ada hubungan antara gaya yang berdekatan, tetapi bahkan sulit untuk menetapkan batas yang tepat di antara mereka, seperti dalam evolusi semua bentuk kehidupan tanpa kecuali. Dan jika kita berbicara tentang signifikansi mandiri gaya, maka, tentu saja, yang kami maksud adalah pemahaman sintetis tentangnya, intisari esensinya, yang tercermin terutama pada saat terbaik mekarnya, pada karya terbaik ini.

_

* Oswald Spengler, "The Decline of Europe", vol. I, terjemahan Rusia, 1923

** I. Ya. Danilevsky, "Russia and Europe", edisi ke-3. 1888 g.

pori-pori. Jadi, berbicara tentang hukum gaya Yunani, yang kami maksud adalah abad ke-5 SM. X., abad Phidias, Ictinus dan Callicrates dan waktu terdekat mereka, dan bukan seni Helenistik yang memudar, di mana sudah banyak fitur yang mengantisipasi munculnya gaya Romawi. Tapi dengan satu atau lain cara, roda dari dua gaya yang berdekatan saling terkait satu sama lain, dan keadaan adhesi ini tidak menarik untuk dilacak.

Dalam hal ini, kami akan membatasi diri untuk mempertimbangkan masalah dalam bidang arsitektur yang paling menarik bagi kami.

Namun, hal ini membutuhkan, pertama-tama, pemahaman tentang konsep-konsep yang termasuk dalam definisi formal gaya arsitektur. Kita sudah cukup mengetahui dengan jelas apa yang menjadi ciri gaya lukisan: kita berbicara tentang gambar, warna, komposisi, dan, tentu saja, semua sifat ini dianalisis oleh peneliti. Juga mudah untuk memastikan bahwa yang pertama: gambar dan warna, adalah bahannya, yang pengorganisasiannya di bidang itu membentuk seni komposisi lukisan. Demikian pula, dalam arsitektur, perlu dicatat sejumlah konsep, tanpa klarifikasi yang analisis formal karyanya tidak dapat dibayangkan.

Kebutuhan untuk menciptakan perlindungan dari hujan dan dingin mendorong masyarakat untuk membangun hunian. Dan ini telah menentukan sampai hari ini sifat dasar arsitektur, yang berdiri di ambang kreativitas yang berguna dan seni yang "tidak tertarik". Fitur ini tercermin terutama pada kebutuhan untuk mengisolasi, membatasi beberapa material, bentuk material dan bagian ruang tertentu. Isolasi ruang, penutupannya dalam beberapa batas tertentu adalah tugas pertama yang dihadapi arsitek. Pengaturan ruang yang terisolasi, bentuk kristal yang pada dasarnya meliputi ruang amorf, adalah ciri khas arsitektur dari seni lainnya. Apa yang merupakan ciri, bisa dikatakan, pengalaman spasial, sensasi yang dialami dari produksi arsitektur interieur'ov

referensi, dari berada di dalam tempat, dari batas spasial mereka dan dari sistem pencahayaan ruang ini - semua ini adalah fitur utama, perbedaan utama arsitektur, tidak terulang dalam persepsi seni lainnya.

Tetapi isolasi ruang, metode pengorganisasiannya, dilakukan melalui penggunaan bentuk material: kayu, batu, batu bata. Dengan mengisolasi prisma spasial, arsitek mendandani dengan bentuk material. Dengan demikian, kita pasti melihat prisma ini tidak hanya dari dalam, secara spasial, tetapi juga dari luar, sudah murni volumetrik, mirip dengan persepsi patung. Namun, di sini juga terdapat perbedaan yang sangat penting antara arsitektur dan seni lainnya. Bentuk material untuk pemenuhan tugas tata ruang utama arsitek tidak sepenuhnya sembarangan dalam kombinasinya. Arsitek perlu memahami hukum statika dan mekanika untuk mencapai tujuan, secara empiris, intuitif, atau murni ilmiah. Inilah bakat konstruktif dasar yang harus melekat pada arsitek dan yang menetapkan metode tertentu dalam karyanya. Solusi dari masalah spasial pasti memerlukan metode organisasi khusus ini, yang terdiri dari pemecahannya dengan pengeluaran energi yang minimum.

Jadi, yang pada dasarnya membedakan seorang arsitek dari pematung bukan hanya pengaturan ruangnya, tetapi konstruksi lingkungannya yang mengisolasinya. Dari sini mengikuti metode organisasi utama arsitek, untuk siapa dunia bentuk bukanlah serangkaian kemungkinan yang tidak terbatas dan tidak terbatas, tetapi hanya manuver yang terampil antara yang diinginkan dan yang mungkin untuk implementasi, dan sangat wajar bahwa kemungkinan ini pada akhirnya mempengaruhi perkembangan sifat keinginan. Karena itu, arsitek tidak pernah membangun bahkan "kastil di udara" yang tidak cocok dengan kerangka metode organisasi ini;

bahkan fantasi arsitektur, yang tampaknya bebas dari pertimbangan konstruktif, dan memenuhi hukum statika dan mekanika - dan ini sudah berbicara tentang fitur dasar yang tidak diragukan lagi, sangat penting dalam memahami seni arsitektur. Oleh karena itu, jangkauan bentuk arsitektur yang relatif terbatas dibandingkan dengan lukisan dapat dipahami, dan pendekatan utama dalam memahami bentuk arsitektur sebagai fungsi penopang dan miring, memegang dan berbaring, menegangkan dan mengistirahatkan, bentuk-bentuk yang membentang secara vertikal dan horizontal, dan lainnya., berfungsi dari arah utama ini. Metode organisasi ini juga menentukan ciri-ciri ritmis yang menjadi ciri arsitektur. Dan, akhirnya, sudah sampai batas tertentu menentukan karakter masing-masing molekul formal individu, yang selalu berbeda dengan unsur seni pahat atau lukisan.

Dengan demikian, sistem gaya arsitektur terdiri dari sejumlah masalah: spasial dan volumetrik, yang merepresentasikan solusi dari masalah yang sama dari dalam dan dari luar, yang diwujudkan dengan elemen formal; yang terakhir diatur menurut satu atau beberapa karakteristik komposisi, sehingga menimbulkan masalah ritme yang dinamis.

Hanya pemahaman tentang gaya arsitektur dalam semua kompleksitas masalah ini yang dapat menjelaskan tidak hanya gaya ini, tetapi juga hubungan antara fenomena gaya individu. Jadi, menganalisis perubahan gaya Yunani ke Romawi, Romawi ke Gotik, dll., Kita sering mengamati ciri-ciri yang kontradiktif. Jadi, gaya Romawi, di satu sisi, dianggap oleh para peneliti sebagai evolusi bentuk murni dari warisan Hellenic, di sisi lain, orang tidak bisa tidak memperhatikan fakta bahwa metode komposisi atau organisasi ruang Struktur Romawi hampir kebalikan dari struktur Yunani.

Dengan cara yang sama, seni Renaisans awal di Italia (quattrocento) masih penuh dengan ciri khas gaya Gotik yang sudah usang, dan metode komposisi Renaisans sudah ada di dalamnya.

Pada tingkat yang baru dan tidak terduga dibandingkan dengan Gotik, pengalaman spasial mereka sangat bertentangan sehingga mereka membangkitkan ungkapan terkenal dalam arsitek kontemporernya Filaret tentang yang terakhir: “Terkutuklah orang yang menemukan sampah ini. Saya pikir hanya orang barbar yang bisa membawanya ke Italia."

Dari sudut pandang ini, selain mengevaluasi suatu karya seni atau keseluruhan gaya secara historis, yaitu, dalam kaitannya dengan lingkungan yang menciptakannya, metode lain dari penilaian objektif muncul - genetik, yaitu, menentukan nilai fenomena dalam hubungannya dengan pertumbuhan gaya lebih lanjut, dengan evolusi proses umum. Dan mengingat fakta bahwa gaya artistik, seperti fenomena kehidupan lainnya, tidak segera terlahir kembali dan tidak dalam semua manifestasinya, dan sebagian lebih atau kurang bergantung pada masa lalu, adalah mungkin untuk membedakan gaya yang secara genetik lebih berharga dan lebih sedikit. berharga sejauh mereka sedikit banyak memiliki sifat-sifat yang sesuai untuk kelahiran kembali, potensi untuk menciptakan sesuatu yang baru. Jelas bahwa penilaian ini tidak selalu berkaitan dengan kualitas unsur formal karya seni. Seringkali lemah secara formal, mis. sebuah karya yang tidak sempurna dan belum selesai bernilai secara genetik, yaitu, dengan potensinya untuk yang baru, lebih dari sekadar monumen yang tak bernoda, namun tetap menggunakan secara eksklusif bahan usang dari masa lalu, yang tidak mampu mengembangkan kreatif lebih lanjut. * * * Jadi, lalu apa? Kontinuitas atau prinsip baru yang benar-benar independen terletak pada perubahan dua gaya?

Tentu saja keduanya. Sementara beberapa elemen penyusun yang membentuk gaya masih mempertahankan kontinuitas, seringkali yang lain, lebih sensitif, lebih cepat mencerminkan perubahan dalam kehidupan dan jiwa manusia, sudah dibangun di atas prinsip yang sama sekali berbeda, seringkali berlawanan, sering kali

benar-benar baru dalam sejarah evolusi gaya; dan hanya setelah jangka waktu tertentu, ketika ketajaman metode komposisi baru mencapai kejenuhan penuhnya, ia sudah beralih ke elemen gaya lainnya, ke bentuk yang terpisah, menundukkannya pada hukum perkembangan yang sama, memodifikasinya, sesuai dengan estetika gaya baru. Dan sebaliknya, cukup sering, hukum lain dari gaya baru tercermin terutama dalam elemen formal yang sama sekali berbeda, pada awalnya menjaga kesinambungan metode komposisi, yang berubah hanya secara bertahap, di tempat kedua. Namun, seni mana yang bergerak, hanya berkat dua prinsip ini: kontinuitas dan kemandirian, gaya baru dan lengkap dapat muncul. Fenomena kompleks gaya arsitektur tidak bisa berubah sekaligus dan dalam segala hal. Hukum kontinuitas menghemat penemuan kreatif dan kecerdikan seniman, memadatkan pengalaman dan keterampilannya, dan hukum kemandirian adalah penggerak yang memberikan kreativitas kepada jus muda yang sehat, menjenuhkannya dengan ketajaman modernitas, yang tanpanya seni berhenti menjadi begitu saja. seni. Berkembangnya suatu gaya, yang dipadatkan dalam periode waktu yang singkat, biasanya akan mencerminkan hukum kreativitas yang baru dan independen ini, dan era kuno dan dekaden akan, dalam elemen formal atau metode komposisi yang terpisah, saling terkait dengan periode sebelumnya dan selanjutnya dari era tersebut. gaya. Jadi kontradiksi yang tampak ini didamaikan dan menemukan penjelasan tidak hanya dalam kemunculan gaya baru saat ini, tetapi juga dalam era sejarah mana pun.

Jika tidak ada kontinuitas yang diketahui, evolusi setiap budaya akan menjadi kekanak-kanakan tanpa batas, tidak pernah, mungkin, mencapai puncak pembungaannya, yang selalu dicapai hanya berkat pemadatan pengalaman artistik budaya sebelumnya.

Tetapi tanpa kemerdekaan ini, budaya akan jatuh ke dalam usia tua tanpa akhir dan tidak berdaya layu, abadi

selamanya, karena tidak ada cara untuk mengunyah makanan lama tanpa henti. Bagaimanapun juga, kita membutuhkan darah barbar muda dan berani yang tidak tahu apa yang mereka lakukan, atau orang-orang yang sangat haus akan kreativitas, dengan kesadaran akan kebenaran "aku" mereka yang mapan dan mandiri, sehingga seni dapat diperbarui. sendiri, memasuki masa berbunga kembali. Dan dari sini, secara psikologis dapat dimengerti tidak hanya orang-orang barbar yang merusak, yang darahnya keyakinan kebenaran kekuatan potensial mereka secara tidak sadar berdenyut, bahkan dalam kaitannya dengan budaya yang sempurna, tetapi bobrok, tetapi juga seluruh rangkaian "vandalisme" yang cukup sering ditemui di sejarah zaman budaya, ketika yang baru menghancurkan yang lama, bahkan yang indah dan lengkap, hanya karena keberanian anak muda yang sadar.

Marilah kita mengingat kembali apa yang dikatakan Alberti, seorang wakil dari suatu kebudayaan yang di dalamnya terdapat begitu banyak unsur kesinambungan, tetapi yang pada hakikatnya merupakan contoh pembentukan gaya baru:

"… Saya percaya mereka yang membangun Thermes, dan Pantheon, dan yang lainnya … Dan pikiran bahkan lebih besar dari siapa pun …" *.

Semua keyakinan yang tumbuh sama dalam hak kreatifnya sering memaksa Bramante untuk menghancurkan seluruh lingkungan untuk melaksanakan proyek-proyek besarnya dan menciptakan untuknya di antara musuh-musuhnya nama populer "Ruinante".

Tetapi dengan kesuksesan yang sama, nama ini dapat dikaitkan dengan salah satu arsitek besar Cinquecento atau Seichento. Palladio, setelah kebakaran pada tahun 1577 di Istana Doge di Venesia, sangat menyarankan Senat untuk membangun kembali istana Gotik dalam semangat pandangan dunia Renaisansnya sendiri, dalam bentuk Romawi. Pada tahun 1661, Bernini, ketika dia perlu membangun barisan tiang di depan Katedral Santo Petrus, tanpa ragu-ragu atau ragu-ragu menghancurkan Palazzo dell'Aquila milik Raphael.

* Surat kepada L. B. Albert dan kepada Matteo de Bastia di Rimini (Roma, 18 November 1454). Dalam sebuah surat kepada Brunelleschi (1436) dia mengatakan: "Saya menganggap jasa kami lebih besar, karena tanpa pemimpin, tanpa model, kami menciptakan ilmu dan seni yang belum pernah didengar atau dilihat sebelumnya."

Di Prancis, di era revolusi, tentu saja ada lebih banyak contoh seperti itu. Jadi, pada 1797 gereja tua St. Ilaria di Orleans berubah menjadi pasar modern *.

Tetapi bahkan jika kita mengesampingkan perwujudan ekstrem dari keyakinan yang yakin akan kebenaran ide-ide kreatif zaman kita, setiap pandangan yang kita lontarkan ke masa lalu meyakinkan kita tentang keberadaan, pada saat-saat terbaik budaya manusia, yang sangat jelas. kesadaran akan kebenaran pemahaman bentuk modern yang independen. Dan hanya era dekaden yang dicirikan oleh satu keinginan untuk menundukkan bentuk modern ke ansambel gaya abad yang lalu. Gagasan untuk menundukkan bagian-bagian baru kota bukan pada tubuhnya, yang berada di luar ciri-ciri formal gaya, tetapi pada gaya lama, yang sudah ada, bahkan bagian-bagian yang bentuknya paling sempurna, sebuah gagasan yang sangat berakar kuat di benak arsitek terbaik kami dalam dekade terakhir dan membuat mereka sering menaklukkan seluruh lingkungan dan sebagian kota ke fitur formal dari beberapa kelompok monumen yang mendahului gaya - merupakan indikator yang sangat baik dari impotensi kreatif modernitas. Karena di masa terbaik, arsitek, dengan kekuatan dan ketajaman kejeniusan modern mereka, menundukkan diri pada bentuk gaya yang dibuat sebelumnya, namun, dengan tepat memprediksi perkembangan organik kota secara keseluruhan.

Namun lebih dari itu, seorang seniman, yang dijiwai oleh ide kreatifnya dan realitas yang mengelilinginya, tidak dapat berkreasi dengan cara yang berbeda. Dia hanya melakukan apa yang memenuhi otaknya, dia hanya bisa menciptakan bentuk modern dan paling tidak dia memikirkan tentang apa yang orang lain, bahkan pendahulu yang paling cemerlang sekalipun, akan lakukan menggantikannya.

Kuil Yunani, yang dijiwai oleh satu tradisi, selama beberapa abad, dalam pengertian ini,

_

* François Benois, "Seni Prancis selama revolusi." Terjemahan disiapkan untuk publikasi oleh S. Platonova.

contoh yang menarik. Candi yang telah dibangun dalam waktu yang lama ini terkadang memberikan kronologi yang hidup dari bangunan tersebut pada kolom-kolomnya.

Jelas sekali bahwa arsitek Yunani tidak memikirkan kontinuitas, atau subordinasi apa pun terhadap ansambel: ia penuh dengan keinginan yang terkonsentrasi dan gigih untuk menyadari setiap saat bentuk yang kontemporer baginya. Dan kontinuitas dan ansambel muncul dengan sendirinya, sejauh, secara umum, cara pandang kreatif Hellas tetap sama.

Dengan cara yang sama, katedral dimulai pada era gaya Romanesque, jika berakhir satu atau dua abad kemudian, mau tidak mau mengambil karakter gaya Gotik kontemporer mereka, sama seperti arsitek Renaissance, tanpa ragu-ragu, katedral selesai dimulai. di era dan dalam bentuk gaya Gotik., dalam bentuk paling murni dari Renaisans sama sekali asing bagi mereka. Dan, tentu saja, mereka tidak dapat bertindak sebaliknya, karena kreativitas sejati tidak bisa tulus, dan karenanya tidak modern. Semua pertimbangan lain tampak tidak signifikan dibandingkan dengan keinginan yang terus-menerus dirasakan untuk menunjukkan fisiognomi kreatif Anda. Sebuah bunga tumbuh di suatu ladang, karena ia tidak bisa tidak tumbuh, dan oleh karena itu, ia tidak dapat memperhitungkan apakah ia cocok atau tidak dengan bidang yang ada sebelumnya. Sebaliknya, ia sendiri mengubah dengan penampilannya gambaran umum lapangan.

Fenomena menarik dari sudut pandang ini adalah filosofi futurisme Italia awal, yang beralih ke ekstrem lain. Dibesarkan dan dikelilingi oleh banyak monumen sempurna di masa lalu, seniman Italia percaya bahwa monumen-monumen ini, karena kesempurnaannya, menjadi beban yang terlalu berat bagi psikologi seniman dan tidak memungkinkannya untuk menciptakan seni modern - dan karenanya kesimpulan taktis: penghancuran semua warisan ini. Hal ini diperlukan untuk menghancurkan semua museum, untuk menghancurkan semua monumen

akan bisa menciptakan sesuatu yang baru! Tetapi, tentu saja, gerakan putus asa ini secara psikologis dapat dipahami karena menunjukkan rasa haus para seniman akan kreativitas asli, tetapi, sayangnya, ia juga menggambarkan impotensi kreatif dari seni ini dengan sama baiknya, seperti serangan eklektik dari para pejalan kaki.

Baik kepedulian terhadap kontinuitas maupun penghancuran seni masa lalu tidak dapat membantu. Itu hanya gejala yang menunjukkan bahwa kita mendekati era baru. Hanya sekejap energi kreatif, lahir dari modernitas dan menciptakan seniman yang tidak bisa berkarya dengan gaya apapun, tetapi hanya dalam satu-satunya bahasa modernitas, yang merefleksikan sarana dan seni mereka, esensi sejati hari ini, ritme, karya kesehariannya dan perawatan dan cita-citanya yang luhur, hanya saja wabah seperti itu dapat melahirkan pembungaan baru, fase baru dalam evolusi bentuk, gaya baru dan benar-benar modern. Dan, mungkin, saat kita akan memasuki jalur yang diberkati ini sudah sangat dekat.