Pameran grafis arsitektur “Hanya Italia!” Terbuka untuk umum di Gedung Teknik Galeri Tretyakov. Setengah dari eksposisi terdiri dari koleksi Yayasan Sergei Tchoban, setengah - gambar dari Galeri State Tretyakov, dan beberapa lagi - karya empat seniman-arsitek kontemporer: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov dan Sergei Tchoban.
Pameran ini benar-benar luar biasa karena berbagai alasan. Pertama-tama, grafik arsitektur berkualitas tinggi adalah bahan yang cocok untuk diri sendiri. Memeriksa dari lembar ke lembar, memeriksa secara rinci ikal, bayangan, staf, ketertiban adalah kesenangan yang sempurna.
Di sisi lain, tak bisa dikatakan bahwa arsitek kerap ditampilkan di Galeri Tretyakov. Mereka hampir tidak pernah ditampilkan di sana. Dan di sini - eksposisi menyatukan tidak hanya hal-hal dari gudang galeri, hal-hal yang memiliki peluang kecil untuk ditampilkan di lain waktu, dengan lembaran dari koleksi dana Tchoban yang disimpan di Berlin. Di tengah segalanya, seperti mahkota kreasi, adalah gambar arsitek modern.
Desain eksposisi milik biro SPEECH dan Sergei Tchoban, yang mengatur karya-karya orang sezamannya (termasuk miliknya) di aula rotunda kecil; di galeri yang mengelilinginya, grafik abad ke-20 dipamerkan; Di kejauhan, di dua ruang persegi panjang, lembaran abad ke-18 - 19 dipamerkan, dibagi menjadi dua blok: "The Birth of a Theme" dan "Rossika" (karya orang asing di Rusia). Dengan demikian, kronologi menyimpang dalam lingkaran dalam ruang eksposisi, atau, lebih tepatnya, menyatu dari masa lalu ke masa kini: sesuatu seperti lingkaran di atas air, hanya sebaliknya.
Perlu dicatat bahwa SPEECH cukup konsisten mengembangkan motif aula bundar dalam karyanya dengan desain pameran: itu cukup untuk mengingat pameran "Museum of Graphics" di ArchMoscow pada tahun 2013 (ketika Museum Grafis Berlin belum dibuka), atau dua desain eksposisi paviliun Rusia pada biennale arsitektur Venesia: diorama indah kota Vyshny Volochok tahun 2010 dan "Pantheon" dari kode QR 2012, baru-baru ini
dibuat ulang di Zaryadye. Ruang bundar cukup langka dalam desain pameran modern - ruang rotunda sangat tidak nyaman untuk dipamerkan, karena cenderung membanjiri pameran dan terlihat lebih penting dan berharga. Itu adalah kuil, bukan museum, tempat konsentrasi atau bahkan pelayanan.
Kualitas putaran ini ditekankan dan digunakan di gantung. Gambar-gambar Zaman Baru dipamerkan sesuai dengan semua aturan pameran museum dan dengan hormat. Di ruang rotundal di sebelah kiri, lembar grafik tidak lagi menjadi harga diri, menjadi bagian bawahan dari plot spasial. Lembaran Atayant, Kuznetsov, Filippov, Choban digantung dalam dua baris, tanpa memusatkan perhatian pada setiap karya individu sebagai nilai museum (gambar abad ke-20 di galeri melingkar berfungsi sebagai transisi, pusaran itu sendiri sudah menghilangkan museum kekakuan).
Arti pernyataan itu cukup jelas. Grafis modern bukan hanya pameran di sini, melainkan deklarasi fakta keberadaannya - misi untuk melanjutkan dan merevitalisasi tradisi menggambar klasik. Itu adalah bagian dari kuil seni imajiner, sedangkan koleksi sejarah adalah sesuatu seperti sakristi, gudang spesimen yang berharga.
Ciri khas interior plastik yang begitu halus menginterpretasikan isi pameran tetap berada dalam kerangka bahasa klasik. Sepenuhnya tanpa urutan, tetapi detail dan pengalaman spasial ditambahkan ke aula bundar oleh lembar grafik yang sebenarnya. Itu adalah arsitektur fana-nya. Pertimbangkan, misalnya, sisi bundar Pantheon, diartikulasikan oleh alas lengkungan bongkar muat yang ditarik dengan rapi: "panteon di panteon" melanjutkan permainan yang dimulai lebih jauh, sudah dalam ruang imajiner di belakang bidang lembar grafik.
Untuk apa yang telah dikatakan, masih perlu ditambahkan bahwa pameran, dimulai dengan "pendiri" abad ke-18, lebih mengeksplorasi tradisi khusus Rusia dalam mengagumi Italia, dan mendekati tanggal 21 ternyata tradisi ini telah diperoleh di sini beberapa fitur yang benar-benar istimewa, bukan tanpa nada kekaguman dan, dalam arti yang baik, obsesi, yang begitu halus ditangkap oleh bentuk aula kuil. Tidak ada yang mengaku mempelajari barang antik setulus Maxim Atayants; tidak ada yang mengira bahwa arsitekturnya lahir dari lanskap cat air, seperti Mikhail Filippov; tidak ada yang begitu berkomitmen pada nilai intrinsik genre grafis arsitektur seperti Sergei Tchoban, yang menciptakan museumnya, dan Sergei Kuznetsov, yang terus-menerus pergi ke udara terbuka. Bersama-sama, hasilnya adalah fenomena yang heterogen, tetapi pasti unik.
Kami berbicara dengan keempat peserta pameran di Ruang Gambar Kontemporer.
Sergey Choban Archi.ru:
Apakah ini benar-benar pameran gambar arsitektur terbesar yang dibuat dengan partisipasi yayasan Anda saat ini?
Sergey Choban:
- Saya pikir ya. Baik dari jumlah karya yang dipresentasikan maupun periode yang dicakup, ini adalah pertunjukan terbesar. Berikut adalah karya-karya penulis Eropa Barat yang luar biasa, pendiri sekolah gambar arsitektur abad ke-18, dan sejumlah besar gambar karya seniman dan arsitek Rusia luar biasa yang secara aktif bekerja dalam konteks ini.
Pameran grafik arsitektural, yang diatur oleh yayasan Anda, sudah terbentuk dalam urutan tertentu. Apakah ada rencana umum, vektor pengembangan, atau apakah plot selalu ditemukan kembali?
S. Ch.: Secara umum, setiap kali ditemukan baru, meskipun kami memiliki prinsip tertentu. Secara khusus, kami berusaha untuk bekerja sama dengan lembaga museum terkemuka. Salah satu proyek kami berikutnya akan bekerja sama dengan Albertina dari Wina. Dr. Schroeder [direktur Museum Albertina di Wina - Archi.ru] berada di aula museum kami di Berlin dan menyatakan keinginannya untuk membuat proyek bersama - kami sangat senang dan bangga dengan proposal ini. Ada proyek lain juga.
Ada rencana untuk bekerja sama dengan Museum Arsitektur Shchusev, menurut saya ini sangat penting.
Anda adalah seorang kolektor, seniman grafis, desainer, arsitek - bagaimana hal ini terkait satu sama lain?
S. Ch.: Menurut saya, ini adalah mata rantai berbeda dari pekerjaan yang sama. Dalam konteks sejarah, arsitek juga seniman; mereka terlibat tidak hanya di gedung-gedung utama, tetapi juga dalam desain panggung, pertunjukan teater.
Hingga abad ke-20, arsitek tidak memiliki fotografi …
S. Ch.: Menurut saya, fotografi tidak memiliki tujuan yang sama dengan gambar arsitektur. Gambar tersebut menangkap bagian terpenting dari kreativitas manusia - arsitektur yang dibuat seseorang di dalam ruang alam.
Sementara itu, Maxim Atayants dan Mikhail Filippov melakukan arsitektur klasik, tetapi Anda tidak melakukannya
S. Ch.: Tentu tidak, hal ini tidak berkaitan langsung dengan arsitektur yang sedang kita kerjakan. Bagi saya, studi arsitektur dengan menggambar dapat menghasilkan hasil yang sangat berbeda: studi tentang proporsi, dan efek spasial, dan kain, dan detail. Bukan tanpa alasan bahwa hari ini, tidak hanya di Rusia, tetapi juga di banyak sekolah Eropa, banyak perhatian lagi diberikan pada menggambar, karena hanya melalui gambar Anda dapat melihat bagaimana bahan dari struktur yang berbeda digabungkan satu sama lain, bagaimana kain dengan detail terkecil mengalir satu sama lain.
Gambar Anda di pameran selalu merupakan karya yang sangat selesai, menggambar dari alam. Mengapa Anda tidak menunjukkan sketsa?
S. Ch.: Pertama, tema pameran ini sudah cukup pasti, tidak ada arti lain. Dan kedua, gambar itu sendiri harus memiliki kualitas yang independen. Sketsa tidak selalu memiliki kualitas ini.
Apakah lukisan Anda tumbuh lebih banyak dari koleksi Anda atau dari arsitektur Anda?
S. Ch.: Saya pikir koleksinya tumbuh dari gambar. Dan banyak arsitektur yang saya hasilkan dari gambar. Itu tidak tumbuh lurus. Tidak ada hal yang Anda gambar sebuah bangunan dari periode kuno, dan kemudian merancang sesuatu yang serupa. Kemudian Anda mendesain sesuatu yang lain, karena hukum perkembangan ruang berbeda.
*** Kami berhasil menanyakan hal yang sama kepada tiga peserta pameran lainnya, dalam hal ini yang penting, pertanyaan: apakah grafik mereka berbeda dengan gambar sejarah, dan jika demikian, bagaimana.
Maxim Atayants
Bagaimana grafik Anda berbeda dari grafik historis yang disajikan di sini di pameran?
M. A.: Grafiknya sangat berbeda di sini … Saya merasa keempat peserta pameran kontemporer berbeda satu sama lain hampir sama seperti mereka yang nongkrong di aula lain di pameran ini.
Era berbeda. Grafik modern tidak bisa tidak dipengaruhi oleh redundansi visual kolosal modernitas. Selama dua tahun terakhir, lebih banyak foto telah diambil di dunia dibandingkan seluruh sejarah sebelumnya sejak daguerreotype pertama. Tekanan redundansi visual memaksa kita untuk memperlakukan gambar tersebut secara berbeda dan menarik sesuatu dari sana yang tidak, katakanlah, dalam fotografi. Saya fotografer yang cukup profesional, jadi penting bagi saya untuk membandingkan hal-hal ini. Tetapi saya takut untuk dengan sengaja merenungkan topik ini, karena tugas menggambar dan fotografi adalah sama … Saya ingin mengungkapkan kegembiraan dan kegembiraan saya saat bertemu dengan gedung-gedung ini. Mungkin, Quarenghi memecahkan masalah yang sama. Dan hasilnya berbeda, karena jamannya berbeda. Bagaimana lagi menjawab ini?
Mengapa Anda tidak hanya memotret, tetapi juga menggambar?
M. A.: Tapi untuk ini saya bisa dengan mudah menjawabnya. Karena mekanisme yang berbeda terlibat. Menggambar adalah cara belajar, satu-satunya jenis aktivitas manusia di mana otak, mata, dan tangan terlibat secara bersamaan dengan intensitas yang sama. Tidak mungkin menghabiskan satu jam dengan merenung dan berkonsentrasi melihat beberapa bagian arsitektur jika Anda tidak sedang melukis. Ini adalah cara belajar.
Kami mengambil gambar untuk dibagikan orang lain, dan menggambar untuk diri kami sendiri. Untuk asimilasi. Setidaknya dalam kasus saya.
Apakah kamu pernah melukis dari sebuah foto?
M. A.: Tentu saja, seperti orang idiot mana pun yang belajar di Akademi Seni, saya menggambar dari fotografi di malam hari, ketika, misalnya, saya tidak punya waktu untuk menyelesaikan makalah saya. Kemudian bagi saya tampaknya itu lebih mudah. Sekarang saya mencoba untuk tidak melakukan ini, karena ini adalah tiruan proses yang tidak berarti. Menurut saya, inti dari menggambar adalah menggambar dari kehidupan.
Saat saya menggambar, memahami sesuatu, maka proses ini dalam. Mengapa menyederhanakannya sambil mencoba mendapatkan hasil yang sama dengan murah? Atau secara lahiriah terlihat sama. Dalam kasus ketika Anda tidak punya waktu untuk menyelesaikan di tempat, terkadang, tentu saja, Anda mengintip ke dalam fotonya … Tapi ini sekunder. Sungguh menakjubkan bahwa sekarang jauh lebih sulit dan lebih lama bagi saya untuk menggambar dari sebuah foto daripada dari alam. Itu benar.
Sergey Kuznetsov
Bagaimana grafik Anda berbeda dari grafik historis yang disajikan di sini di pameran?
S. K.: Saya dengan rendah hati akan mengatakan bahwa kita tidak dapat melakukan itu. Saya senang dengan karya Maxim Atayants, yang menemukan sumber daya dalam dirinya, mampu menyelami dan pergi ke tingkat detail yang berbeda - jelas bahwa sulit tidak berarti baik, tetapi tidak berarti buruk - namun demikian, ketinggian yang dicapai oleh para guru tua, dan dalam kesabaran, dan dalam kerja keras, dan di mata - ini luar biasa. Kita harus belajar … Saya masih iri dengan grafik yang disajikan di sini; menguasai keterampilan seperti itu, tentu saja, akan sangat bagus.
Apakah menggambar arsitektur klasik berarti berusaha membangun arsitektur klasik?
S. K.: Tidak, itu tidak berarti sama sekali. Menggambar arsitektur klasik tidak boleh dikaitkan dengan desain arsitektur klasik, sebagaimana membaca The Three Musketeers tidak berarti Anda siap mengayun pedang besok.
Bagaimana arsitektur dan lukisan terhubung dengan Anda secara pribadi?
S. K.: Dalam hal ini, saya adalah orang yang sekolah tua, saya menghargai keterampilan dasar, kerajinan tangan. Tampak bagi saya bahwa cara arsitektur dibuat tidak berubah dan tidak boleh berubah: seseorang harus melewati pikiran, sensasi, perasaan melalui dirinya sendiri - komputer tidak akan memungkinkan untuk mengekspresikan segalanya. Saya sangat dan sangat menyukai grafik komputer, saya memiliki banyak publikasi dan pameran, ini memberi saya kesempatan untuk membandingkan pekerjaan dengan tangan dan mata saya - dan bekerja dengan komputer. Ketika Anda memiliki kendali atas tangan Anda dan dapat menggambarkan apa yang ada di kepala Anda dengan tangan Anda sendiri, itu membantu Anda secara pribadi, dan juga berfungsi dengan baik sebagai alat persuasi.
Mengapa Anda tidak menunjukkan grafik sketsa?
S. K.: Dalam hal ini, itu tidak pantas … Ini bukan posisi sadar; akan ada proposal - kami akan pameran. Secara umum, ini tidak benar, kami sedang memamerkannya - pada pameran "arsitek tahun ini" di Arch Moscow kami membuat gambar sketsa. Kami memiliki banyak sketsa berkualitas baik. Tulisan tangan, menurut saya, tidak akan menarik bagi penonton. Secara umum, saya akan mengatakan bahwa minat penonton pada pekerjaan apa pun berbanding lurus dengan jumlah pekerjaan yang diinvestasikan di dalamnya.
Bagaimana Anda mulai menggambar arsitektur bersejarah?
S. K.: Saya mulai menggambar jauh sebelum masuk perguruan tinggi. Orang tua saya sama sekali tidak terhubung dengan seni atau arsitektur, tetapi saya terbawa oleh berbagai kreativitas, pembuatan prototipe, menggambar, dan jadi saya mengikuti kursus persiapan di Institut Arsitektur Moskow. Sejak itu saya tidak berhenti melukis; meskipun setelah institut ada jeda ketika saya tidak lagi terlibat dalam manual, tetapi dalam grafik komputer.
Kemudian, mulai bekerja dengan Sergei Tchoban, sekitar tahun 2006, saya menyarankan agar dia melakukan perjalanan ke berbagai kota, menggambar arsitektur. Sejak itu, kami rutin melakukan perjalanan beberapa kali dalam setahun untuk mengecat arsitektur. Perjalanan pertama kami ke udara terbuka di Roma, misalnya, mengikuti jejak Piranesi.
Mikhail Filippov
Bagaimana grafik Anda berbeda dari grafik historis yang disajikan di sini di pameran?
M. F.: Saya tidak bisa menjawab pertanyaan seperti itu. Saya dapat memberi tahu Anda bagaimana grafik arsitektur berbeda dari lanskap arsitektur. Saya telah menjadi anggota Persatuan Seniman selama 30 tahun dan telah berpameran sebagai seniman di banyak tempat, termasuk Galeri Tretyakov dan Museum Rusia. Bagi saya, pertanyaan ini sangat jelas. Lansekap arsitektur tempat nenek moyang kita terlibat, pertama-tama, gambar dan pengaturan lembaran berkualitas tinggi dengan pendekatan artistik. Sayangnya, sebagian besar arsitek melukis objek favorit mereka sebagai perspektif kecil, dan bukan sebagai lanskap.
Di zaman Soviet, saya bahkan bekerja di bawah kontrak Akademi Seni sebagai pelukis lanskap murni. Selama perestroika, Serovite berkuasa di sana - kebanyakan dari mereka adalah seniman yang baik, realis, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Grafis teknis yang kuat juga ada di sana.
Sisa gambar Soviet dikembangkan ke arah organisasi modernis lembaran: misalnya, jika airnya ringan, maka ditulis sepenuhnya putih, dan seterusnya. Ketika saya mulai menulis, saya lebih memikirkan tentang nuansa, nada menengah; nuansa malam yang putih, kualitas gambar, kehalusan perspektif … Hal ini membuat saya cukup unik saat itu, orang-orang tua ini sangat mencintai saya. Saya bekerja di bawah kontrak, datang dan menunjukkan kepada mereka, mereka membuat beberapa komentar - rasanya para master memperhatikan saya.
Jadi saya tidak merasa jauh berbeda dengan majikan lama. Jika mereka tidak membuat gambar teknis, tetapi membuat lanskap. Pendekatan lanskap itu seperti seorang seniman. Fakultas arsitektur Akademi Seni pada suatu waktu mempekerjakan mereka yang menggambar lebih baik, dan lukisan - mereka yang menggambar lebih buruk. Dan mereka memberikan ijazah dengan nama "seniman arsitektur" - ini dirumuskan sampai beberapa, saya tidak ingat persis, setahun. Saya tidak merasa ada perbedaan dengan mereka, terutama jika menyangkut karya dari awal abad ini. Saya dibesarkan dalam karya Ostroumova-Lebedeva.
Meskipun bagi saya ada nuansa lain yang menarik - malam putih. Bentang alam Rusia bernuansa di negara bagian menengah. Misalnya, Vasiliev - pencairan, tidak ada musim dingin, tidak ada musim semi, tidak ada cahaya, tidak ada kegelapan, setengah warna, sinar matahari … Anda tidak akan menemukan lanskap berkualitas tinggi dalam lukisan dunia, di mana akan ada warna biru cerah langit dan tanaman hijau cerah! Mungkin Rylov mungkin memiliki sesuatu seperti itu, atau Cezanne, tapi itu sudah berbeda.
Ternyata Anda memiliki dua tema: lanskap arsitektural dan arsitektur Anda …
M. F.: Tidak! Tidak ada perbedaan. Arsitektur yang indah harus dikaitkan dengan alam, dengan matahari. Saya tahu dan mencintai sejarah seni dengan sangat baik. Pada 1980-an, menarik bagi saya untuk melanjutkan apa yang terpotong di tahun dua puluhan, ketika lukisan mulai berubah menjadi - mungkin berkualitas sangat tinggi - tetapi modernisme.
Apa menurutmu tumbuh bersama itu nyata?
M. F.: Ya, ini adalah realitas absolut. Pada bulan Januari tahun ini, saya menyerahkannya - hutan dihilangkan dari 750 ribu meter persegi bangunan tempat tinggal.
Di Sochi?
M. F.: Tidak hanya di Sochi, di Moskow ada sebuah rumah di Jalan Marsekal Rybalko. Saya yakinkan Anda, ini adalah perwujudan gaya 2001 yang saya buat tiga puluh tahun yang lalu.
Apakah Anda merasa ini sebagai perwujudan dari lukisan Anda?
M. F.: Ya, ya … Saya tidak melihat perbedaannya.
Percaya atau tidak, saya lulusan Akademi, datang dengan konsep dan setelah itu saya mengambil kuas dan cat air untuk pertama kalinya. Saya tidak menulis di Akademi atau di sekolah seni. Dan jika saya menulis, tidak mungkin untuk melihat apa yang saya lakukan saat itu.
*** pameran dibuka hingga 27 Juli (jam buka)
