Bosan dikuratori oleh kritikus, ahli teori, dan orang-orang dekat arsitektur lainnya, Biennale 10 tahun setelah Massimiliano Fuksas kembali mempercayakan dirinya ke tangan seorang arsitek. Kazuyo Sejima adalah seorang arsitek Jepang terkenal, salah satu pendiri biro arsitektur SANAA, penulis bangunan beberapa museum besar, termasuk New Museum di New York, serta Serpentine Gallery Pavilion 2009, pemenang Golden 2004 Lion, yang menerima Pritzker Prize tak lama setelah pengangkatannya sebagai kurator Biennale. Ia juga menjadi kurator wanita pertama dalam sejarah pameran tersebut. Tapi yang utama, menurut direktur biennale, Paolo Baratta, dia adalah seorang arsitek yang berpraktik. Sejima menggemakan hal ini dalam pesan kuratorialnya, yang diawali dengan "Biennale 2010 akan menjadi refleksi arsitektur."
Berbeda dengan moto yang membingungkan 'di luar gedung' dari pendahulunya, kurator Aaron Betsky pada tahun 2008, yang setengah dari peserta tidak dapat benar-benar mengerti, dan setengah lainnya tidak dihiraukan, tahun ini Kazuyo Sejima mengusulkan slogan yang sederhana dan mudah diakses: "Orang-orang bertemu dalam arsitektur "yang tidak terlalu mengikat. Jelas ada dua hal yang disatukan di dalamnya - arsitektur, yang tampaknya, dengan serius ingin dikembalikan oleh Biennale, dan ditambah dengan arsitektur semacam catatan sosiologis yang halus, untuk suatu perubahan. Bagaimanapun, tidak mungkin untuk sepenuhnya memutlakkan subjek utama pameran; sesuatu harus ditambahkan ke dalamnya. Arsitektur untuk sesuatu, tetapi mereka membangun, misalnya, agar orang bertemu di sana. Dari sini ada jalur langsung ke gedung-gedung publik yang menghiasi portofolio kurator dengan sangat baik. Selain motto tersebut, Sejima menguraikan beberapa makna tambahan: fokus pameran adalah reaksi arsitektur modern terhadap perubahan yang dibawa abad ke-21, terhadap informatisasi dan globalisasi; batas-batas yang ditunjukkan atau dihapus oleh arsitektur; dan kualitas arsitektur yang dibangun - tambah Paolo Baratta dalam pesannya. Dengan demikian, setelah pencarian lama akan kebenaran "di samping", pameran arsitektur utama dunia (dan Venice Biennale, tentu saja, adalah seperti itu) akan kembali ke subjek utamanya, dipandu oleh tangan wanita yang lembut dan tidak mencolok.. Eksposur kuratorial diikuti oleh 48 peserta, termasuk tidak hanya arsitek, tetapi juga firma teknik.
Mengenai eksposisi kuratorial utama yang pada Biennale selalu diadakan di gedung Corderie Arsenal, Sejima mendeklarasikan kebebasan para peserta dengan mengatakan dalam manifesto bahwa setiap peserta akan menjadi "kuratornya sendiri" di dalam fragmen gudang senjata "independen". interior yang ditugaskan padanya. Keragaman lebih baik daripada kemauan pemersatu, kata kurator; singkatnya, lakukan apa yang Anda inginkan … Kebebasan penuh; meskipun, saat berjalan melalui pameran, Anda memahami bahwa ini tidak sepenuhnya benar.
Seorang pengunjung yang memasuki aula pertama bagian kuratorial Biennale disambut oleh hati batu raksasa yang dipotong oleh kapak kayu - kapak, setelah diperiksa lebih dekat, ternyata adalah tempat berlindung dengan cerobong asap yang naik, metafora untuk tragedi tersebut. dari gempa bumi Chili baru-baru ini (cerita rinci tentang pemulihan setelah bencana dapat ditemukan lebih lanjut, pada eksposisi ruang Arsenal di paviliun Chili). Dua tahun lalu, pameran Arsenal dibuka dengan instalasi film dan video lucu; berbeda dengan ingatannya, hati batu itu sangat besar, kasar-kasar dan serius. Ini adalah sejenis benda raksasa, di sebelahnya Anda merasa seperti di dalam gua kanibal dan mendengarkan, mau tidak mau, dengan serius. Pilar Arsenal mulai tampak seperti kolom basilika Romawi, dan secara umum kesamaan ruang pameran yang terkenal ini dengan kuil entah bagaimana diperburuk. Mungkin ini yang dimaksudkan.
Tepat di belakang kapak batu terdapat ruang bioskop kompak dengan film oleh Wim Wenders, yang dapat dengan cepat dilalui untuk berkenalan dengan subjek yang lebih besar dari Ensamble Studio dan kepalanya Anton García-Abril. Menyeberang di bawah barisan kolom dan memblokir jalan yang lurus, dua balok-I raksasa terletak di ruang aula, mirip dengan rel dan dilihat dari warna abu-abunya, kemungkinan besar beton. Satu balok raksasa terletak di sisi lain dan ujung bebasnya bertumpu pada mata air setinggi manusia pada umumnya. Musim semi, tentu saja, tidak terlalu mendukung apa pun, anak-anak bermain dengannya, tetapi terlihat sangat mengesankan. Ini tidak bisa disebut "pegas"; dan jika di aula pertama skala objek pahatan yang ditempatkan di sana sesuai dengan ukuran interiornya, maka yang ini tampaknya terlalu besar bahkan untuk interior gudang senjata, melampaui dan bahkan menekannya sedikit.
Dari pertumbuhan progresif seperti itu, Anda tanpa sadar berpikir - Ya Tuhan, apa yang akan terjadi selanjutnya. Tapi kemudian kami menemukan diri kami di awan ("ukuran hidup" - seperti yang dinyatakan dalam manifesto kuratorial), dibangun bersama oleh arsitek Jepang Tetsuo Kondo dan insinyur Matthias Schuler dari perusahaan Jerman Transsolar, yang mengkhususkan diri dalam teknik iklim (mengetahui spesifikasi perusahaan, mudah untuk menebak mengapa awan; kontrol iklim menyelinap ke dalam Arsenal dan mengatur cuacanya sendiri di dalamnya …). Aula tersebut dipenuhi kabut keputihan, yang dipompa melalui lubang-lubang di dinding dengan instalasi khusus. Kabut menyebar di tingkat galeri, dan struktur heliks dibangun di tengah, memanjat di mana Anda dapat melewati awan dan melihatnya dari atas. Awan menyebar dalam serpihan-serpihan berlapis, di atasnya pengap, seperti di bak mandi, tetapi efeknya luar biasa. Benar, orang Moskow mengalami efek serupa baru-baru ini pada bulan Agustus dengan datangnya asap di kota; di Arsenal, bagaimanapun, awan ini lebih tebal, tampaknya aman.
Kurator menafsirkan kerja sama rekan senegaranya dan seorang insinyur Jerman sebagai berikut: hal itu mendorong kita ke pemahaman baru tentang ruang angkasa, jika hanya karena batas-batas awan tidak jelas. Batas-batasnya memang kabur, meski diapit kerangka aula. Menyelam ke dalam kabut itu menyenangkan; tetapi mustahil untuk tidak mengingat apa yang telah dilakukan awan - pertama-tama, arsitek-seniman terkenal Elizabeth Diller dan Ricardo Scofidio. Mungkin itulah sebabnya kurator dengan hati-hati mencatat dalam pesannya: tidak semua instalasi asli dalam hal gaya, tetapi banyak yang mewakili puncak teknologi modern.
Studio India Mumbai membuat aula besar berikutnya dengan potongan-potongan model kayu, dan menggantungkan kipas tiga bilah klasik dari langit-langit, mengubahnya menjadi "bengkel" - namun, untuk ruangan sebesar itu, hal-hal masih belum cukup, penuh- Ilusi yang matang dari hambatan artistik tidak muncul; ternyata, dibandingkan dengan instalasi pertama, bertubuh kecil, tetapi nyaman.
R & Sie (n), firma arsitektur Paris François Roche dan Stéphane Laveau, yang menunjukkan model putih bangunan patung bionik di Paviliun Italia dua tahun lalu, melepaskan salah satu makhluk aneh mereka ke ruang Arsenal, mengubahnya menjadi meja di atas kaki. Di satu sisi, binatang Mars ini ditutupi dengan kaca yang tumbuh, bersinar dengan cahaya kehijauan, monitor tumbuh dari ujung yang berlawanan, di tengah di atas sepotong mineral semu multi-warna, perangkat yang mirip dengan bip penghitung Geiger. Dalam penjabarannya, penulis mengingat "Stalker" Tarkovsky dan berbicara tentang batas-batas pencapaian peradaban - mungkin, instalasi ini harus menanggapi tesis kurator tentang "batas". Karena, tidak seperti tetangganya, ia tidak memengaruhi ruang angkasa dengan cara apa pun; sebaliknya, ini menunjukkan kepada kita penghuni eksotis yang tinggal di dalam.
Tapi aula Olafur Eliasson sangat efektif: dalam kegelapan, tiga selang digantung dari langit-langit, yang tersebar di sekitar semburan air yang menggeliat dengan indah, dapat dibedakan dalam kilatan saraf dari cahaya stroboskopik. Pancuran yang eksotis memang memesona, tetapi sulit untuk difoto. Saya harus mengatakan bahwa kata-kata Sejima bahwa banyak gambar tidak akan menjadi baru adalah benar - Eliasson melakukan mandi serupa pertama pada tahun 1996.
Selanjutnya - lagi terang, bingkai kayu berbentuk kubah datar dari sebuah biro Cina dengan nama Perancis Amator (yang artinya amatir). Memang, seolah-olah para amatir memutar dadu ini bersama-sama dengan baut; tetapi kemampuan untuk melintasi perbatasan kubah di mana biasanya tidak mungkin untuk menyeberanginya dan secara harfiah "memasuki kubah" agak aneh (sekali lagi, perbatasan).
Ke baris ini, kita harus menambahkan Jeanette Cardiff Music Hall, di mana speaker ditempatkan dalam lingkaran, dan di tengah ada kursi untuk mendengarkan musik (volumetrik? Arsitektur?) Yang dihasilkan. Dan kitnya akan lengkap. Ini hanya satu set apa?
Arsitektur yang dijanjikan di dalamnya, sekilas sepertinya belum cukup. Yaitu, tata letak dan tablet tradisional dalam urutan yang sama, tentu saja, ditemukan: yang paling terlihat oleh mata Rusia adalah proyek kompetisi gedung Perm Museum dari Valerio Oljati, yang paling terlihat oleh mata secara umum adalah Taichung Opera proyek dari Toyo Ito. Bangunan ini, yang terlihat seperti pecahan kecil yang diukir dari gundukan rayap yang sangat besar (bagaimanapun juga China), disajikan dengan detail yang sangat teliti dan dilengkapi dengan dokumentasi lengkap yang tergeletak di atas meja dalam bentuk album tebal dalam bahasa pengarang. Tapi proyek yang diperlihatkan sedetail itu adalah pengecualian dan, mungkin, konsekuensi dari kebebasan yang dinyatakan oleh kurator. Eksposisi Arsenal dibentuk oleh instalasi, terlebih lagi, tidak selalu dibuat oleh arsitek, tetapi, seperti yang kita lihat, oleh para insinyur dan, lebih sering, oleh seniman yang bekerja secara profesional dan baik dalam genre ini. Misalnya, Olafur Eliasson - dalam portofolionya ada banyak instalasi yang bagus dan berbeda, biasanya berskala besar (omong-omong, ada beberapa "cloud" di sana, Dealer dan Scofidio bukan satu-satunya dalam genre ini). Matthias Schuler adalah seorang insinyur. Artinya, pameran kuratorial di Arsenal sama sekali tidak menjadi pameran arsitek.
Ini tidak berarti bahwa tidak ada arsitektur di dalamnya. Bagi saya, sebagai penulis ruang museum, Kazuo Sejima mengubah seluruh pameran menjadi arsitektur secara keseluruhan: dia tidak mendesainnya sebagai desainer dan bahkan tidak menggubahnya sebagai kurator, tetapi membangunnya, menggabungkan sebagian besar instalasi ke dalam rantai di mana setiap peserta menawarkan cara artistiknya sendiri untuk memahami ruang Arsenal. Dengan demikian, Persib sendiri menjadi pameran utama. Dan saya harus mengatakan sikap terhadap ruang pameran ini paradoks - semua orang sangat menyukainya, tetapi menyelenggarakan pameran di dalamnya, mereka kurang memperhatikannya, hanya menempatkan sesuatu di dalamnya. Arsenal mungkin tersinggung dengan penghinaan seperti itu, terlihat muram dan menekan penonton dengan skala. Tapi dia bagus dalam dirinya sendiri, dan bagus bahwa kurator baru memperhatikan hal ini.
Dalam kasus ini, eksposisi kuratorial tidak begitu banyak memamerkan arsitektur sebagaimana dirinya sendiri. Dan perjalanan melalui pameran menjadi bukan membaca, bukan kontemplasi dan tidak melihat, tetapi - pencelupan dalam arsitektur (begitu tenggelam dalam bahasa asing). Dan peserta pameran, seniman dan insinyur yang "dianggap bebas", bagi Sejima menjadi sarana pemahaman arsitektural ruang Arsenal. Yang memang benar jika kita ingat bahwa arsitektur adalah seni utama, dan selebihnya pernah mematuhinya. Ini adalah kurator dari SANAA dan menaklukkan mereka semua, tapi dengan sangat, sangat tidak mencolok. Dia tidak mengatur eksposisi di interior, tetapi mengisi ruang dengan konten. Interior Arsenal, seolah-olah, membalasnya, bergabung dalam peran "pameran utama" dan menjadi lebih menyenangkan. Bagaimanapun, sekarang saya ingin melihatnya dan perjalanan panjang melalui Arsenal kali ini tidak melelahkan seperti dua tahun lalu.
Mungkin ini karena fakta bahwa ia memiliki banyak rongga dan tidak terlalu banyak konten - bentuk padat, dan bahkan tanpa bobot, Shinto Jepang: terang, gelap (terjalin di dalam seperti yin dan yang), batu, awan, air, suara … Anda bahkan mungkin dapat mengatakan bahwa Sejima mengatur sejumlah reproduksi instalasi yang sudah dikenal di Arsenal, menggunakannya sebagai sarana bagi seorang arsitek untuk bekerja dengan elemen yang sulit dipahami, untuk menangkap bayangan, silau, bayangan yang sulit dipahami - hal-hal di mana budaya Jepang begitu kuat. kuat. Hal yang pantas dialami selama di Arsenal.
Sebagai karya utuh dan cerminan elemen utama, pameran ini diterima dengan baik. Kata-kata, bagaimanapun, sedikit kurang; ada yang penting - seperti ruang dan perbatasan, yang terus dibicarakan Sejima, termasuk pada konferensi pers kemarin. Semua kata lain dikumpulkan di "tempat yang ditentukan secara ketat"; Arsenal memiliki ruang wawancara yang penuh dengan kursi dan monitor dengan headphone - pecinta kata dapat menikmati pidato di sana untuk waktu yang sangat lama, daftar pembicara memenuhi seluruh dinding.
Singkatnya, pameran kuratorial di Arsenal tampaknya tepat untuk disamakan sebagai karya arsitektur SANAA yang lain.
Jika tidak, struktur pameran, yang akrab bagi banyak orang, tetap tidak berubah. Pameran kuratorial di Arsenal, di bekas "paviliun Italia", berganti nama menjadi Palazzo Espozicione (Istana Pameran); pameran paviliun nasional di Giardini dan "program paralel" di kota. Biennale saat ini sampai batas tertentu adalah tahun Yobel - 35 tahun telah berlalu sejak pameran arsitektur pertama dari siklus Venice Biennale. Karenanya acara ulang tahun dan kenangan dua tahunan masa lalu. Di Aula Kolom Palazzo Justinian (istana tempat markas besar panitia penyelenggara Biennale berada), sebuah pameran dibuka kemarin tentang sejarah 11 tahun terakhir Venice Biennale, semacam laporan pencapaian ekonomi pameran Venesia; itu juga menjadi tuan rumah pameran LUMA, menampilkan "program arsitektur untuk model budaya baru" Frank Gehry.
Bagian lain dari program ulang tahun Biennale adalah "Sabtu Arsitektur" - seperti yang dikatakan oleh siaran pers penyelenggara, selama tiga bulan pada hari Sabtu di Venesia akan ada pertemuan dengan tokoh-tokoh penting dari pameran masa lalu, termasuk kurator Biennial sebelumnya Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Kami berencana untuk secara bertahap menerbitkan laporan yang lebih rinci tentang pameran dan acara Biennale. Pameran akan berlangsung hingga 21 November.
